Los Minions

Si algo dejaban claro las dos primeras entregas de Gru, mi villano favorito, una de las sagas más taquilleras de la historia del cine animado, es que sus diminutos seres amarillos llamados «minions» tenían la personalidad, el carisma y el potencial suficientes para sostener por sí solos una película entera. Con cada aparición, estos robaplanos parecían pedir a gritos una película donde explayarse, donde lucirse por completo. Consciente de esto -y de los jugosos beneficios económicos que la jugada le podría reportar, claro-, la productora Illumination Entertainment, que se embolsó la estratosférica cifra de 1.500 millones de € con las dos partes de Gru, se puso manos a la obra para llevar a cabo el spin off Los Minions (2015), una cinta orquestada a cuatro manos entre Kyle Balda y Pierre Coffin, éste último codirector de las dos películas en las que estos seres unicelulares se hicieron mundialmente conocidos. ¿Ha merecido la pena el resultado? Rotundamente, sí. Sus responsables han demostrado estar sobradamente capacitados para ofrecer a toda la familia un espectáculo fresco, dinámico y divertido; tan altamente adictivo que te deja con ganas de más tras los títulos de crédito -los cuales, por cierto, conviene no perderse-. Risas, risas y más risas. Esto es lo mejor que se puede decir de esta película: su alto potencial cómico gracias a una fórmula basada en el slapstick continuo. 

San Andrés

Salvo honrosas excepciones como Titanic (James Cameron, 1997) o El coloso en llamas (John Guillermin & Irwin Allen, 1974), el cine de catástrofes pocas veces ha gozado del beneplácito exacerbado de la crítica. Durante décadas se ha considerado, injustamente, un cine de segunda división. Muchos achacan que estas películas no constituyen más que un mero y simple entretenimiento; lo que ocurre es que el concepto «mero y simple entretenimiento» tiene, al menos para mí, un valor incalculable. ¿Saben los críticos más puritanos lo difícil que es hacer una película que te mantenga los ojos como platos y te haga disfrutar como un enano mientras la ciudad, el país o incluso el planeta entero se va al garete? Para empezar hace falta una ingente cantidad presupuestaria que permita hacer escenas visuales portentosas y, posteriormente, desarrollar las situaciones límites suficientes para mantener el interés siempre en alto. Dentro del género, obviamente, habrá escalas: unas películas de catástrofes estarán mejor que otras, pero por lo general basta ya de infravalorar a un género que, probablemente, sea el más honesto que hay. San Andrés (Brad Peyton, 2015), como muchas de sus homólogas, no aspira a ganar ningún premio, tan sólo ofrecer un espectáculo de evasión al público. Parece poco pero no lo es. Prefiero esa honestidad  inicial que no la chirriante pretenciosidad de trabajos que lo único que provocan es el bostezo.

Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo

Tras su primera y nada desdeñable aproximación a los personajes en La gran aventura de Mortadelo y Filemón (2003), Javier Fesser logra con Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo (2004) la obra definitiva de este par de chapuceros agentes que el maestro Francisco Ibáñez creó en 1958. Primera incursión del director de Camino (2008) al mundo animado, la jugada no le ha podido salir mejor a Fesser, que logra no sólo la mejor película de animación de la historia del cine español, también la adaptación más fiel de las historietas de Ibáñez a la gran pantala. El film, en resumidas cuentas, tiene algo que ni la primera adaptación en carne y hueso de Fesser ni la que rodó más adelante Miguel Bardem –Mortadelo y Filemón. Misión: Salvar la tierra (2008)- tenían: esa locura irrefrenable, esa entrega sin complejos al porrazo y al slapstick constante que sólo la animación era capaz de conseguir. El film se nota dirigido por alguien que ama por encima de todas las cosas a sus personajes, que los conoce porque se ha devorado todas y cada una de sus historias en papel. Para prueba basta ver el agradecimiento final del director a su propio padre por haberle descubierto a estos dos iconos culturales que, por fin, tienen una película a su altura. 

Las aventuras de Tadeo Jones

Resplandeciente ejemplo de lo bien que está evolucionando la animación española, y ostentando el trono de película de animación más taquillera de la historia del cine patrio -y en la segunda de todo el 2012, tras Lo imposible (J.A.Bayona, 2012)-, Las aventuras de Tadeo Jones (Enrique Gato, 2012) se convirtió, incluso antes de su estreno, en un irrefutable fenómeno social -y viral- sin precedentes en la historia del género en España. Gestada a partir del éxito de los dos cortometrajes del director vallisoletano -galardonados con sendos Goya-, esta parodia del arqueólogo Indiana Jones, primera producción animada de esa fábrica de éxitos llamada Telecinco Cinema en colaboración con el grupo Intereconomía, Las aventuras de Tadeo Jones debe buena parte de su triunfo a la intensa y perfectamente engrasada campaña de marketing a la que ha sido sometida: desde la constantes promociones por parte de la cadena comercial líder en nuestro país, Telecinco, hasta el apoyo de las radiofórmulas más influyentes al tema principal de su banda sonora, Te voy a esperar, de Juan Magán y Belinda. Factores, ya digo, que han potenciado un proyecto que, como ya hicieran en su momento Chico & Rita (Fernando Trueba & Javier Mariscal & Tono Errando, 2010) o Arrugas (Ignacio Ferreras, 2011), ha demostrado, además de que es posible aunar cine comercial y calidad, que la animación española poco tiene que envidiar a los gigantes USA.

La vida de Pi

Existen películas que, conforme transcurren, van desinflándose. Con La vida de Pi (Ang Lee, 2012) sucede justo lo contrario: a medida que avanza el metraje, las dimensiones épicas del proyecto van tornándose cada vez más notables, culminando en un final tan inesperado como redondo que obliga a replantearse de nuevo el espíritu de la cinta. Amante de las historias complejas, Lee no sólo le saca todo el jugo posible a esta historia basada en la novela homónima de Yann Martel -acerca de un joven hindú (Suraj Sharma) que, tras un naufragio, deberá aprender a sobrevivir en pleno Océano Pacífico con la única compañía de un tigre de bengala-, sino que convierte un relato en teoría muy poco cinematográfico -exceptuándo los 45 minutos iniciales, el resto del film corre a cargo de un único personaje- en uno de los espectáculos visuales -y temáticos- más enriquecedores de los últimos tiempos. Enigmática, trascendental y reflexiva a partes iguales, la nueva película del aclamado director chino es un nuevo compromiso por el buen cine de un realizador dispuesto siempre a sorprender, antojándose idóeno para un film en el que las localizaciones y el espíritu poético-lírico juegan un papel de determinante, en la línea de Brokeback Mountain (2005) o Tigre y Dragón (2000).

La invención de Hugo

Cuando Martin Scorsese aseguró que iba a rodar una película infantil, circunstancia por la que ha tenido que «despertar el niño que llevaba dentro», sus seguidores temblaron. ¿Que el mismo director de Taxi Driver, Casino o, más recientemente, Infiltrados iba a dirigir una película para niños? Era, cuanto menos, sorprendente. Y lo cierto es que, desafiando la perplejidad inicial de sus fans, Scorsese materializó el que sin ninguna duda es su proyecto más personal. Porque si algo caracteriza a La invención de Hugo (Martin Scorsese, 2011), además de que en contra de lo que se cree no es sólo una cinta orientada exclusivamente a los más pequeños, es que se trata del reflejo de muchos aspectos de la vida del legendario cineasta. Se trata, además, de la primera experiencia con el 3D del neoyorkino, «única manera de ser lo más fiel posible libro», asegura, firme defensor de esta revolucionaria técnica. Una técnica que, a diferencia de la mayoría de películas que la aplican, está más que justificada en la historia.