No respires

Debería existir una máxima en el mundo del cine que impidiese rodar un remake si éste no nace con la ambición de mejorar o, por lo menos, igualar, a la obra original. Dicha máxima, ignorada o directamente despreciada por la mayoría de cineastas que se aventuran a hacer un remake, se la tomó muy en serio Fede Álvarez cuando en 2013 decidió hacer su particular versión del clásico de Sam Raimi Posesión infernal (1981). El debut del director en el largometraje, tras una exitosa carrera como cortometrajista, nos dejó a todos de piedra: no sólo por conseguir superar en calidad a la icónica obra de Raimi -tomándose muy en serio lo que para el director de la saga Spider-man era un cachondeo puro y duro-, sino por demostrar una personalidad fílmica, una concisión y un tono estilístico impropio en un director novel. No respires (2016), película en la que Álvarez reincide en el terror, viene a confirmar que lo que parecía un espejismo no lo es en absoluto y que el uruguayo, último de una estirpe de cineastas iberoamericanos afincados en Hollywood, ya puede considerarse uno de los más grandes directores de terror de los últimos años. 

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Nunca apagues la luz

Digámoslo alto y claro desde el principio: Nunca apagues la luz (2016) es una película de terror que da miedo de verdad. Y esto, en una época en la que el género está infectado de remakes insufribles, cintas que más que miedo dan risa y otras que pretenden ser tan falsamente vanguardistas que olvidan que el principal objetivo de una cinta de terror es que el espectador se retuerza en la butaca, es de especial agradecer. David F. Sandberg, que debuta en el largometraje con la adaptación de un corto dirigido por él –Lights out (2013)- nos regala una película confeccionada para que el amante del cine de terror se lo pase pipa. Y, como sabe que el público de este tipo de productos es de todo menos paciente, empieza a disparar sangre y sustos desde el minuto uno. El cineasta sueco, que aplica la máxima de lo bueno si breve dos veces bueno -la acción queda condensada en apenas hora y cuarto- no se va por las ramas y comienza a darle a su público lo que pide desde el primer segundo. Parece poco, pero no lo es. Y más en un género en el que parecía que había que acostumbrarse a que transcurriera el ecuador de la película para encontrar un susto, por mínimo que fuese. La afilada capacidad de provocar miedo es algo que cada vez cuesta más encontrar en las películas de terror y este es, precisamente, uno de los platos fuertes de un film del que el propio director ya está preparando la secuela.

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Café Society

Tras ver Café Society (Woody Allen, 2016) uno entiende por qué fue recibida con gran entusiasmo en el último Festival de Cannes: estamos ante una de las películas más logradas del genio neoyorquino. Al igual de lo que sucedió con Match Point (2004) o la más reciente Blue Jasmine (2013), la nueva obra de Allen está a la altura de alguna de las obras maestras de su primera etapa como cineasta, sin duda la más fructífera e interesante. Como muchas carreras cinematográficas, la trayectoria del director de Manhattan o Annie Hall está plagada de muchas cimas, simples colinas y algún que otro desastre -a la mente me viene A Roma con amor (2012), una película que nunca debería haber existido-. La razón principal por la que Café Society habría que encuadrarla dentro del primer grupo es que es una película que mezcla con pasmosa sencillez lo bonito con lo trágico, lo agradable con lo que no lo es, el brillo y la purpurina con el vacío más atronador. Inmensamente bella pero terriblemente trágica a la vez, esta comedia dramática ambientada en el Nueva York de los años 30 consigue dejar al espectador en un profundo estado de confusión: ese que te dejan las películas que disfrutas con una sonrisa pero que, al mismo tiempo, también te dan motivos para estar triste. 

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Expediente Warren: el caso Enfield

Si el cine de terror actual está viviendo un momento feliz es, en buena parte, gracias al director James Wan, uno de los máximos renovadores del género en los últimos años. Con Expediente Warren: el caso Enfield (2016), el director malayo se pone nuevamente al frente de una secuela de un trabajo dirigido por él, tal y como hizo con Insidious: Capítulo 2 (2013). Era inevitable que tras el brutal éxito de público y crítica de la imprescindible Expediente Warren: The Conjuring se pusiese en marcha la segunda parte de una de las películas de terror más estimulantes y terroríficas de lo que va de siglo. En esta ocasión nos encontramos ante una secuela que está al mismo nivel que su predecesora, dinamitando el concepto de que segundas partes nunca fueron buenas: Expediente Warren: el caso Enfield repite los mismos aciertos de la primera entrega -la misma atmósfera inquietante, lo en serio que se toma Wan a sus personajes, su robustez técnica…- y añade algunas mejoras, como incrementar el nivel de sustos y, sorpresa, prestar una atención especial a la banda sonora, con temas de Elvis Presley -“Can´t help falling in love“, brillante broche de oro- o de los Bee Gees –“I stapted joke”-, entre otros muchos. 

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Alberto Marini: “La crisis ha agudizado la creatividad”.

No podía imaginar Alberto Marini (Torino, 1972) cuando era niño y se deleitaba con las películas de Dario Argento que de mayor se convertiría en uno de los profesionales más destacados dentro del thriller y el cine de terror español. A pesar de nacer en Italia, donde ejerció de abogado, Marini ha desarrollado la mayor parte de su carrera en España, donde lleva viviendo casi 20 años. Aclamado por su original guión de Mientras duermes (Jaume Balagueró, 2011) o el de las más recientes Extinction (Miguel Ángel Vivas, 2015) o El Desconocido (Dani de la Torre, 2015), el también productor y montador debuta ahora como director de cine con Summer camp (2016), un trabajo rodado en inglés que el propio cineasta define como una “película honesta y hecha con cariño para entretener sin más pretensiones”. Una opera prima para la que ha contado con un padrino de lujo, su amigo Jaume Balagueró, para el que se deshace en halagos: “es un amigo sincero y desinteresado y alguien extremadamente meticuloso. Es un grande”. Tras ver como su primer largometraje triunfa por todo el mundo, Marini aspira seguir trabajando en películas globales, no limitadas por un territorio. “Aspiro a crear historias universales”, asegura con rotundidad. Y nosotros encantados de disfrutarlas. 

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Alberto Marini afirma que se siente “un privilegiado” por haber estrenado su opera prima, “Summer Camp”, en el prestigioso Festival de Sitges.

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Manuela B. Moreno: “Es muy gratificante poder contar en imágenes algo que previamente has imaginado”.

A pesar de llevar varios cortometrajes a sus espaldas, su nombre comenzó a sonar con fuerza a partir del multipremiado cortometraje “Pipas” (2013) , un auténtico fenómeno viral que le valió una nominación a los Goya y por el que pasó a engrosar la lista de cineastas a tener (muy) en cuenta. Estamos hablando de la directora murciana Manuela Burló Moreno, que tras debutar con la comedia “Cómo sobrevivir a una despedida” (2015) (“una película por encargo de la que hago un balance muy positivo”, asegura) sorprende ahora con su segundo largometraje: “Rumbos“, también producida por Atresmedia. Rodeada de un cast de auténtico lujo -Carmen Machi, Karra Elejalde, Nora Navas…- la directora se zambulle en este trabajo en el terreno de las historias cruzadas mezclando drama y comedia con pasmosa habilidad (“en Rumbos hay mucha comedia, pero también momentos en los que se te queda congelada la sonrisa”, nos avanza). Pasen y lean a una creadora que todavía tiene mucho que decir y que contar. 

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Manuela Moreno asegura que el proceso de grabación de su segundo largometraje, “Rumbos”, ha sido muy bonito y que la fase de montaje es una en la que más disfruta.

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Helena Taberna: “Las mujeres directoras nos hemos ganado un sitio de prestigio en el cine español”

Lleva más de 20 años dedicada al cine y sigue con la misma ilusión que el primer día. A sus espaldas acumula 3 largometrajes, 2 documentales y, sobre todo, la satisfacción de hacer siempre un cine comprometido y honesto. Estamos hablando de Helena Taberna, una de las cineastas más importantes de nuestro país que el pasado 3 de junio estrenó su nueva película: “Acantilado“, la cual participó en sección oficial en el pasado Festival de Málaga. Alérgica a las zonas de confort y siempre con un ojo puesto en la realidad, la directora navarra adapta la novela de Lucía Etxebarría “El contenido del silencio” para adentrarse en el apasionante y misterioso mundo de las sectas, con el nazismo como telón de fondo. Del magnífico reparto del film -en el que brillan Daniel Grao y Juana Acosta-, del proceso de adaptación del guión y de otros temas como la progresiva importancia que han ido teniendo las mujeres cineastas en el cine hablamos con esta directora todoterreno que asegura que “el cine es mi gran pasión”. No lo dudamos. 

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Nacida para ganar

Me consta que hay críticos de cine que todavía tienen reparos en valorar positivamente una comedia. Por increíble que parezca, es cierto. La infravaloración histórica que sufre el género que tantas y tan buenas películas nos ha dado, reflejada en las escasas ocasiones en las que una comedia se ha alzado con los galardones más importantes en cualquiera de los premios de cine de referencia, es tan injusta como la incapacidad de los profesionales de la crítica que ignoran -o fingen ignorar- lo increíblemente difícil que es hacer reír al público. Evidentemente todo depende del público y del tipo de humor: el que nos interesa es el humor inspirado, ingenioso, con gracia. Para provocar la carcajada a un ser sin neuronas basta con ponerle en bucle un vídeo chorra del Youtube. El otro humor, el que realmente merece la pena, es el que rezuma Nacida para ganar (2016), segundo largometraje del director y guionista valenciano Vicente Villanueva tras la estimable Lo contrario al amor (2010).

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Marc Crehuet: “El humor es una gran herramienta para la reflexión”

¿Se puede hacer humor de casi todo?; ¿Por qué hay gente a la que le cuesta entender el humor negro?; ¿La comedia tiene que ser necesariamente una forma de evadirse de la realidad o, en ocasiones, puede ser todo lo contrario? A estas y otras preguntas nos responde el director y guionista Marc Crehuet que este mes estrena su primer largometraje, “El rey tuerto” (2016) , adaptación de su propia y prestigiosa obra de teatro homónima de 2013. Defensor a ultranza del humor, el director catalán nos deja en esta interesante charla algunas perlas que conviene remarcar, como que “un buen gag o chiste puede desmontar más rápidamente un discurso que cualquier sesuda argumentación” o que “el humor es muy útil para desmontar prejuicios e ideas preconcebidas”. También hablamos con él del (gran) componente de crítica social que encierra su obra, de las diferencias entre la versión teatral y cinematográfica y, como amante del cine que se sustenta principalmente en el texto, de lo mucho que echa de menos los diálogos en el cine contemporáneo. Pasen y lean a un autor que asegura que risas y reflexión pueden ir muy, muy de la mano. 

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Marc Crehuet asegura que el trabajo de los excelentes profesionales que han trabajado en “El Rey tuerto” ha sido maravilloso, y que el resultado final “ha superado de largo mis expectativas”.

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A primera vista

En 2010 el director y guionista brasileño Daniel Ribeiro alumbró No quiero volver solo, un cortometraje de corte homosexual que encandiló a público y crítica -se alzó con el galardón al mejor cortometraje en el prestigioso Festival de Sao Paulo-. Dicho trabajo, en el que el director experimentó lo que suponía trabajar con un actor joven dando vida a un adolescente ciego, permitió a Ribeiro conseguir la financiación para rodar su primer largometraje, A primera vista (2014), film que profundiza en la trama de dicho cortometraje y que está protagonizado por el mismo elenco principal. En ambos proyectos es palpable la sensibilidad y el buen hacer del cineasta tras la cámara, así como su afán por conseguir transmitir la máxima emoción posible con el menor número de trucos y artificios. Si por algo destaca tanto el cortometraje, primero, como el largometraje, después, es por huir de cualquier tipo de exceso: sorprende encontrarse en la parcela de películas de temática LGTB, tan dadas a lo explícito y a lo superficial, un trabajo que deje de lado cualquier atisbo de provocación y morbo y no se deje arrastrar tampoco por el dramatismo que bien podría derivarse de muchas de las situaciones que aquí se nos plantean -los compañeros de clase homófobos, el sufrimiento interior del protagonista, etc-. 

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Juan Cavestany: “Las series de TV han sustituido al cine como forma cultural de referencia”

Sus colegas de profesión lo definen como un director libre y el público nunca sabe lo que se va a encontrar cada vez que va a ver una de sus películas. Estamos hablando de Juan Cavestany, un director inclasificable que acaba de estrenar la comedia experimental “Esa sensación“, un trabajo que dirige y escribe a seis manos junto a Julián Génisson y Pablo Hernando y que el propio Cavestany define como “una comedia para todos los públicos que tiene sexo, chistes y filosofía“. Cineasta que no se deja amedrentar por los parámetros fijados por la industria, conquistó a la crítica con uno de los trabajos más vanguardistas del cine español –Gente en sitios (2013)-, cinta que le supuso mucho a nivel profesional, pero aún más en lo personal, ya que según confiesa el director en esta entrevista fue esta película la que le ayudó a pensar “que había esperanza”. De su opinión sobre Maribel Verdú, actriz con la que ha trabajo en un par de películas, o de su pesimismo sobre el estado actual de la industria del cine, entre otros temas, nos habla un creador libre e indómito que todavía tiene mucho que contar. 
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Juan Cavestany en pleno rodaje de “Esa sensación”, una película sobre tres historias rodadas de forma independiente que al final tienen una coherencia.

El olivo

Tras ambientar sus últimas películas en lugares tan dispares como Bolivia, Nepal o Escocia –También la lluvia (2010), Katmandú, un espejo en el cielo (2011) y En tierra extraña (2014), respectivamente-, Icíar Bollaín sigue su fascinante itinerario en El olivo (2016). En esta ocasión la directora madrileña nos traslada al bajo maestrazgo castellonense para narrarnos una historia llena de sentimientos y buenas intenciones dispuesta a tocar la fibra sensible del público. Escrita por su marido, el guionista escocés Paul Laverty, El olivo es una de esas películas que, conjugando extraordinariamente bien drama y comedia, consiguen hacernos reflexionar. Y es que bajo su buenrrollismo general -a veces excesivo- y su apariencia de drama intrascendente, esta historia en torno a un árbol centenario lleno de simbolismo esconde un implacable mensaje sobre los males del capitalismo, un sistema enfermo que antepone cualquier rédito económico a la tradición, la cultura, la ecología o al propio sentido común. Por encima de su lectura medioambiental y de su llamamiento a correr riesgos en determinados momentos de la vida -por mucho que toque navegar en contra de todo y todos-, lo que subyace en la nueva criatura de Bollaín es su demoledor retrato del aquí y ahora: vivimos bajo un sistema en el que el dinero es lo más importante. 

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