Cantábrico

Se hace difícil empezar a hablar de Cantábrico (Joaquín Gutiérrez Acha, 2017) sin mencionar primero los récords que ha atesorado el que, sin duda, es uno de los documentales españoles más ambiciosos de la historia. En primer lugar, su presupuesto: 2 millones de euros, lo que lo convierten en el documental más caro de nuestra industria. Seguidamente hay que mencionar de su recaudación, en torno a los 600.000 €, una cifra espectacular para un trabajo que apenas se ha podido ver en 60 salas, compitiendo con los blockbusters de turno y películas de un potencial comercial mucho mayor. Su taquilla, en cualquier caso, hace que estemos hablando del segundo documental más taquillero de los últimos tiempos, sólo superado por La última cima (Juan Manuel Cotelo, 2010), que con 800.000€ recaudados sigue ostentando el puesto de documental más exitoso de nuestro cine. Cifras aparte, y centrándonos ya en su argumento, si por algo pasará a la historia el nuevo trabajo del director de Guadalquivir (2013) -el que hasta ahora era, probablemente, el documento audiovisual naturista más importante rodado jamás en España- es por grabar de forma tan brillante una manada de lobos ibéricos de cacería. Casi 3 minutos de metraje que están grabados ya con letras de oro no sólo en la cinematografía española, sino mundial. 

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Las lágrimas de África

Muchos humanistas aseguran que vivimos en un mundo herido, ajenos a los problemas y dificultades de la gente que no tiene ni para comer. La polifacética actriz Amparo Climent, que debuta tras la cámara con el estremecedor documental Las lágrimas de África (2015), va más allá y sentencia que vivimos en un mundo sin corazón. Una afirmación nada descabellada si tenemos en cuenta que hoy, en pleno siglo XXI, se cuentan por miles las vidas de seres humanos muertos en búsqueda de un futuro mejor. Consciente de que el drama de los refugiados es una de las mayores vergüenzas que padece el mundo contemporáneo, Climent se adentra de lleno en él a través de un largo que dirige y escribe poniéndose por bandera un firme compromiso con la verdad y un alto grado de exigencia para no caer en la lágrima fácil, lo que hubiera convertido a este trabajo necesario en los tiempos en los que vivimos en algo sensacionalista y no en un agitador de conciencias como finalmente es. Narrado en primera persona, la directora consigue lo que muy pocos han conseguido hasta ahora: mostrar este drama humanitario de forma pulcra y cercana a través de una narración depuradísima y una claridad expositiva digna de elogio. Sus 70 minutos son, pues, pura sustancia. 

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No todo es vigilia

No todo es vigilia (Hermes Paralluelo, 2014) se adscribe a ese tipo de películas que hablan de la vejez. Con honestidad, respeto y verdad. Mucha verdad. En la misma línea temática de Amor (Michael Haneke, 2012) o Arrugas (Ignacio Ferreras, 2011), aunque no resulte tan dura como la primera ni tan complaciente como la cinta animada de Ferreras, el segundo largometraje del realizador español tras el documental argentino Yatasto (2011) premiado en el Festival de Málaga, es una obra dividida en dos partes claramente diferenciadas: la primera mitad, desarrollada en el interior de un hospital, y un segundo bloque en el que el foco de atención se traslada al propio hogar de los protagonistas. Si bien todo el primer tramo es algo tedioso y desconcertante, es en su segunda mitad donde la película se crece sobremanera, regalándonos instantes gloriosos y otros francamente hilarantes. Obra forjada con un cariño y una honestidad a prueba de bombas -no podía ser de otra manera teniendo en cuenta que la pareja de ancianos que la protagonizan son los propios abuelos del director-, la que peleó en San Sebastián dentro de la categoría Nuevos Directores es una película pequeña que habla de cosas grandes; tan grandes como el amor de quien ha compartido su vida al lado del otro. 

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Historias de Lima

Aplaudamos a rabiar un documental como Historias de Lima (Miguel Ángel Barroso, 2012) por hacernos entender la diferencia entre dos verbos tan, a priori, semejantes pero tan diferentes a la vez como ver y mirar. Entre sus muchas acepciones, la RAE define a éste segundo como el “acto de dirigir la vista a un objeto u observar las acciones de alguien”. Es decir, que con que se den las acciones físicas y lumínicas suficientes, es una acción que todos podemos llevar a cabo sin problemas. Más complejo es el verbo ver, ya que además de mirar, implica prestar atención a lo que estamos mirando. Esta breve introducción meramente lingüística estaría de más si no fuese porque como mejor se puede definir al nuevo trabajo del director, crítico de cine e historiador cinematográfico Barroso es como un ejercicio que no se conforma con mirar, sino que se empecina en ver, en radiografiar todo lo que se cuece a su alrededor. Dotado de una extraordinaria facilidad para acceder, para penetrar en esa selva urbana de Lima, compuesta por una manada de personajes tan variopintos como enriquecedores, el director madrileño sorprende con un trabajo que se nota rodado desde las entrañas, por alguien empeñado en capturar las más altas dosis de verdad.

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Las maestras de la República

Que a estas alturas de la película haya a quien sus prejuicios ideológicos les distancie de un trabajo de documentación tan necesario y comprometido como Las maestras de la República (Pilar Pérez Solano, 2013), simple y llanamente por su título, es para hacérselo mirar. Éste es el principal escollo al que se enfrenta esta obra de humanidad desbordante: que exista gente que catalogue de izquierdas o de derechas algo que va más allá de esta reducción simplista. Y es que lo que pretende este documental es de sentido común: rendir homenaje a todas esas mujeres que revolucionaron la educación en España durante la Segunda República, transgrediendo normas obsoletas e insuflando aires regeneradores en el sistema. Unas pedagogas que se caracterizaron por comulgar, fuera y dentro de las aulas, con los postulados del régimen que defendían; postulados que iban desde la lucha contra la segregación por sexos -argumentada aquí como que “compartir la hora de comer también es educación”– hasta la implantación de un sistema laico, desligado de la religión. Temas, la mayoría de ellos, que siguen de máxima actualidad y que hacen que resulte especialmente doloroso comprobar cómo por lo que tanto pelearon este acervo de pedagogas hace casi un siglo esté hoy amenazado por los poderes políticos. 

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Serrat y Sabina: el símbolo y el cuate

El documental Serrat y Sabina: el símbolo y el cuate (Francesc Relea, 2013) recoge las andanzas de estas dos leyendas vivas de la música por América Latina para presentar La orquesta del Titanic, disco con el que ofrecen su segunda y última gira conjunta por un continente donde han crecido y desarrollado profesionalmente. Colosal tarea la de comprimir en 83 minutos un recorrido que abarca lugares tan dispares como Montevideo, Perú, Rosario o México a cargo de dos personalidades tan férreas y apasionantes, aunque Relea afronta siempre su misión con gran capacidad de síntesis. El director ofrece una documentada y atildada mirada hacia sus objetos de estudio, sirviéndose de su anterior profesión periodística y de reportero por algunos de los países donde ha grabado el documental, que abarca desde las reuniones menorquinas en las que ambos escribían al alimón las letras de sus canciones, hasta el concierto con el que se despiden de los escenarios. Pero el director no se limita a contarnos qué sucede en estos 9 meses que duró esta mítica gira latinoamericana, también se nutre de continuas miradas retrospectivas y viajes al pasado en los que se explican el compromiso social -e, incluso, político- de estos dos artistas con estos lugares, muchos en vías de desarrollo y golpeados por la dictadura, régimen contra el que siempre lucharon.  

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Searching for Sugar Man

Cuando se conjugan de forma tan excepcional dos artes tan honorables como cine y música -haciendo el resultado, por tanto, igual de recomendable para melómanos y cinéfilos-, en medio de un espectáculo de espíritu tan didáctico que supera lo inquebrantable y se filma, además, la (quebradiza) capacidad de elegir -entre el anonimato y la fama, la sencillez y el lujo, la convicción frente a la tentación- o hasta qué punto unas -combativas- melodías puede cambiar la mentalidad de todo un país, surgen obras como Searching for Sugar Man (Malik Bendjelloul, 2012). Enésimo paradigma de que la realidad supera la ficción, no es casualidad que este documental sueco venga respaldado por el aplauso unánime de la crítica internacional, atesorando una inabarcable carrera de premios que culminó con el muy merecido Oscar. Más emocionante que el mejor de los melodramas, más intrigante que el título policial más elaborado, más reivindicativa que el thriller político con mejores intenciones  y más ejemplar en el campo periodístico que muchos de los reportajes de investigación que ocupan diariamente los medios de comunicación, Searching for Sugar Man nos traslada en un apasionante viaje a principios de los 70 para arrojar luz sobre la enigmática figura de Sixto Rodríguez, solista estadounidense que se convirtió en todo un icono en Sudáfrica tras filtrarse en el territorio una grabación casera de sus dos trabajos discográficos, Cold Fact (1970) y Coming from Reality (1971), tras haber resultado un sonoro fracaso comercial en el resto del mundo.

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María y yo

A la interminable (y necesaria) lista de documentales capaces de diseccionar, con mayor o menor tino, algún tipo de discapacidad, viene a agregarse María y yo (Félix Fernández de Castro, 2010). Sin embargo, este conmovedor documento audiovisual basado en el cómic de Miguel Gallardo y que pivota en torno a María, una niña diagnosticada de trastorno autista, se distancia de sus homólogos gracias a su férrea y singular personalidad. En primer lugar, el enfoque -tierno, humano, con ese aureola de vitalidad que engrandece la película- con el que el director observa este drama hace olvidar que, en efecto, nos está contando algo de naturaleza trágica. De Castro lo consigue al elaborar más una radiografía de la relación que tiene la joven con sus progenitores que de la propia enfermedad mental en sí. En este sentido, la complicidad que se establece entre María y su padre -el verdadero grueso del documental-, resplandece sobre un conjunto ya de por sí lo suficientemente sólido y robusto como para que el personal, sin dejar nunca de tomar conciencia sobre lo que esconde la superficie, se encariñe con ese hombre que va más allá del referente absoluto.

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Inside Job

¿Es Inside Job (Charles Ferguson, 2010) un film de terror? Es la primera pregunta que me viene a la mente tras visualizar este aclamado documental que intenta, a través de un lenguaje lo más clarificador y didáctivo posible, explicar las causas que han provocado la crisis financiera internacional en la que, en un mundo cada día más globalizado, estamos todos inmersos. Y lo cierto es que, tras este ilustrativo diagnóstico de un drama que llega a equipararse en el propio film como un tsunami que arrastra todo lo que encuentra a su paso, la sensación es la de estar ante una cinta de terror pura y dura, máxime cuando todo lo que se nos está contando es real y provoca una impotencia que ya quisiera para sí hasta la propia Psicosis (Alfred Hitchcock, 1960). Ferguson, además productor y guionista, elabora una feroz crítica contra los responsables de una crisis económica con pocos precedentes, señalando como principales culpables a unos gobiernos ineficaces que pusieron en marcha unas políticas monetarias aún más desastrosas. Se agradece, por tanto, que el cineasta tome cartas en el asunto y no se vaya en ningún momento por la tangente: Ferguson se muestra firma en su intención de dar respuesta a la pregunta que durante la última década todos nos hemos formulado: ¿cómo hemos llegado hasta aquí?

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Flamenco

“El Flamenco aparece en Andalucía, en el sur de España, a comienzos del S.XIX como una consecuencia del cruce de pueblos, religiones y culturas que dan lugar a un nuevo tipo de música …”. Con esta contextualizadora voz en off da comienzo Flamenco (Carlos Saura, 1995), un decidido artefacto audiovisual en la que el director onubense rinde homenaje a un arte que es uno de los pilares de la historia de España, que ya se mostró interesado en reflejar en  Sevillanas (1991)- a través de una serie de cuadros independientes- y que, finalmente, terminaría por explorar, con más medios técnicos y mayor potencia visual, en Flamenco Flamenco (2010). Gracias a la larga lista de primeras figuras del género que van desfilando por la obra -Paco de Lucía, Tomatito, Manolo Sanlúcar, José Menese…- y su extraordinaria realización, Flamenco no sólo supuso el mayor exponente filmado hasta la fecha sobre un tipo de música andaluza que ya es patrimonio de la Humanidad, sino que además constituye una pieza cuyo valor, no ya sólo pedagógico, sino también documental es incalculable. Y es que ponen los pelos de punta emocionarse, de primera mano, con el legado artístico de artistas tan destacados y ya parte de la leyenda como son Enrique Morente o Fernanda de Utrera.

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Bowling for Columbine

Dicen que la realidad supera a la ficción. Es por esto que Michael Moore no necesitó inventarse ninguna rocambolesca historia o suceso insólito para poner en marcha su proyecto Bowling for Columbine (2002). Bastó con denunciar, dentro del género documental, un acontecimiento tan real como que en Estados Unidos todos los años mueren  11.127 personas por motivos de armas de fuego. Lo que se pretende elaborar a partir de aquí es un ejercicio de dura condena a una sociedad americana que, de cara al mundo exterior, se nos muestra sofisticada, presa del glamour e icono de la modernidad, pero que en realidad está a años luz de estos conceptos: la América que se nos muestra en este documental, de temática puramente social y basado cien por cien en hechos reales, es una América en la que su gente vive apoderada del miedo; un miedo que es el principal motivo de que la mayoría de los habitantes de este país tengan una pistola en su hogar. Porque, tal y como aseguran los defensores de esta práctica, “si tú no proteges a tu familia, no lo va a hacer nadie”.

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Comprar, tirar, comprar

A pesar de la galopante crisis en la que estamos inmersos, nadie duda que seguimos sumergidos en una sociedad consumista, donde muchas veces el mero hecho de comprar va ligado al concepto de ser feliz. Por este motivo, y más en los tiempos que corren, se hace aún más necesario el interesante documental Comprar, tirar, comprar (Cosima Dannoritzer, 2010). Se trata de una coproducción de España y Francia, en la que también han colaborado diversas televisiones como TVE. La finalidad de este trabajo es ofrecernos un esclarecedor relato del que es el principal motor, junto con la publicidad, de esta sociedad de consumo: la obsolescencia programada, un término desconocido por la gran mayoría pero vital a la hora de entender por qué los productos duran cada vez menos. La clave de todo es que se diseñan con el fin de que no tengan una vida eterna, sino con fecha de caducidad, para que así esta máquina imparable de consumismo en la que nos encontramos pueda seguir avanzando a toda velocidad.

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