Hotel Transilvania 2

Dicen que segundas partes nunca fueron buenas, pero Hotel Transilvania 2 (2015) ha llegado, como antes llegaron otras tantas, para demostrar que pueden ser incluso superiores a la primera. Comandada nuevamente por Genndy Tartakovsky, esta secuela de una de las películas de animación más rentables de la Historia del Cine -su primera parte amasó la friolera de 324 millones de € a nivel mundial- y buque insignia del departamento de animación de Sony, que entre sus méritos figuran también las dos entregas de Lluvia de albóndigas, lo tiene todo para hacer disfrutar a grandes y pequeños. Hotel Transilvania 2 vuelve a sustentarse en el poderoso e increíblemente imaginativo universo de personajes creados en la primera parte, con un cuidado aún mayor en los matices y las expresiones. Aunque no alcance la excelencia de algunos trabajos de otros estudios de dibujos animados como Pixar o DreamWorkds, es más que evidente el esmero que sus responsables dedican a las texturas, los fondos y, particularmente, a su excelente e indiscriminado manejo de la paleta de colores; su animación colorida y su trazo limpio se traducen en un espectáculo fresco y visualmente muy atractivo.

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Atrapa la bandera

El estreno de Las aventuras de Tadeo Jones supuso un auténtico terremoto en la taquilla del 2012: la cinta se convirtió en la segunda película española más exitosa del año con más de 18 millones de € de recaudación, amasando casi 50 en las taquillas de todo el planeta. Fue, sin duda, el espaldarazo definitivo de la animación patria a nivel internacional, aunque títulos previos como Planet 51 (Jorge Blanco, Javier Abab y Marcos Martínez, 2009), Chico y Rita (Fernando Trueba, Javier Mariscal y Tono Errando, 2010) o Arrugas (Ignacio Ferreras, 2011) ya habían llevado a los dibujos made in Spain a lo más alto, siempre con Mortadelo y Filemón contra Jimmy en cachondo (Javier Fesser, 2014) como máximo exponente artístico de la llamada nueva animación española, un fenómeno reciente que ha llevado a nuestro país a ser el segundo país que más películas de dibujos produjo de toda la Unión Europea entre 2010 y 2014, sólo por detrás de Francia. A la espera de la secuela del archiconocido aventurero -prevista para 2017- llega Atrapa la bandera, un trabajo que supone un importante salto cualitativo en el cine de Enrique Gato. Dotada de mayor presupuesto que su predecesora -12,5 millones frente a los 8 que costó su anterior largo- y de mayor envergadura argumental, Atrapa la bandera corrige uno de los principales baches de Tadeo Jones, como era la linealidad de la historia y de los personajes. El nuevo film de Gato, fruto de 5 años de trabajo, es una cinta más trabajada, más madura y más cinematográfica a todos los niveles.

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Del revés (Inside Out)

En la sala de cine se apagan las luces y comienza la proyección. A los pocos segundos el rostro de un bebé con rasgos inequívocamente humanos invade por completo la pantalla mientras le pregunto a mi compañero de butaca: “¿Nos hemos equivocado de película? Veníamos a ver una cinta de animación”. Mi acompañante no tarda en advertirme que hemos entrado en la sala correcta y que, efectivamente, estamos ante una película de dibujos. Mi confusión duró apenas unos instantes, pero bastó para percatarme de la genialidad de la nueva obra de Pixar en colaboración con Walt Disney Pictures: Del revés (Pete Docter & Ronaldo del Carmen, 2015). En efecto, me sorprendí a mí mismo que a través de un ordenador se pudiesen crear imágenes tan perfectas y tan brillantes técnicamente hasta el punto de hacer dudar al espectador si lo que estaba viendo era un mero dibujo o una imagen de carne y hueso. Y es que cuando pensábamos que esta fábrica de obras maestras que es Pixar no nos podía sorprender, va y pega un nuevo golpe de autoridad en la mesa con el que, sin duda, es su proyecto más ambicioso -lo cual, viendo sus excelsos precedentes, es en sí una locura-.

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Los Minions

Si algo dejaban claro las dos primeras entregas de Gru, mi villano favorito, una de las sagas más taquilleras de la historia del cine animado, es que sus diminutos seres amarillos llamados “minions” tenían la personalidad, el carisma y el potencial suficientes para sostener por sí solos una película entera. Con cada aparición, estos robaplanos parecían pedir a gritos una película donde explayarse, donde lucirse por completo. Consciente de esto -y de los jugosos beneficios económicos que la jugada le podría reportar, claro-, la productora Illumination Entertainment, que se embolsó la estratosférica cifra de 1.500 millones de € con las dos partes de Gru, se puso manos a la obra para llevar a cabo el spin off Los Minions (2015), una cinta orquestada a cuatro manos entre Kyle Balda y Pierre Coffin, éste último codirector de las dos películas en las que estos seres unicelulares se hicieron mundialmente conocidos. ¿Ha merecido la pena el resultado? Rotundamente, sí. Sus responsables han demostrado estar sobradamente capacitados para ofrecer a toda la familia un espectáculo fresco, dinámico y divertido; tan altamente adictivo que te deja con ganas de más tras los títulos de crédito -los cuales, por cierto, conviene no perderse-. Risas, risas y más risas. Esto es lo mejor que se puede decir de esta película: su alto potencial cómico gracias a una fórmula basada en el slapstick continuo. 

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La canción del mar

Seis años después de optar al Oscar al mejor film animado por El secreto del libro de Kells (2009), Tomm Moore volvió a estar nominado en la misma categoría por la continuación de dicho film: La canción del mar (2015), película en la que el genial director irlandés buscó inspiración nuevamente en la mitología irlandesa. En esta ocasión, el que muchos califican como el sucesor de Hayao Miyazaki -y más especialmente desde la retirada del maestro japonés-, recurre a la leyenda celta de los selkies o, lo que es lo mismo, focas que se transformaban en mujeres de gran belleza para poder vivir entre humanos, ocultando previamente su piel cerca del mar, entre las rocas. La nueva obra de Moore es un auténtico recital de buen gusto, sensibilidad y animación a la vieja usanza capaz de engatusar por igual a grandes y pequeños: ambos quedarán hipnotizados por igual ante una obra que admite tantas lecturas como visionados. 

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El viento se levanta

Cuando uno asiste, con lágrimas en los ojos, al final de El viento se levanta (Hayao Miyazaki, 2013), no sabe muy bien si esa emoción es fruto de estar ante una película tan desgarradoramente triste o, por otro lado, por haber sido testigo de la retirada del que, más que director, ha sido uno de los más grandes humanistas de todos los tiempos. Con 73 años, el llamado Walt Disney oriental, decidió despedirse del séptimo arte con una película en la que se condensan todas las máximas del Studio Ghibli, mítica compañía de la que es cofundador y que ha alumbrado éxitos como Mi vecino Totoro (1988), El castillo ambulante (2004), La tumba de las luciérnagas (1988) o El viaje de Chihiro (2001), atesorando ésta última el único Oscar del estudio. En efecto, en El viento se levanta se dan cita el amor indiscriminado por la naturaleza -que ofrece aquí su lado más bello, pero también el más destructor-, el poder de los sueños, el alegato antibelicista y el amor como principal impulsor para cambiar las cosas. En el plano técnico se mantiene la técnica de la animación tradicional, principal seña de identidad de la compañía, mientras que a nivel de guión se rompe con lo establecido hasta ahora al tejer por primera vez un relato sobre una historia real y no en el mundo fantástico, tal y como Miyazaki nos tenía acostumbrados.

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Frozen. El reino del hielo

No sé si Frozen. El reino del hielo (Chris Buck & Jennifer Lee, 2013) es el mejor musical de Disney desde La bella y la bestia (Gary Trouslade & Kirk Wise, 1991), tal y como han señalado algunos críticos, pero de lo que no tengo duda es que es uno de sus títulos más maduros. Acusada desde su nacimiento de machista, incluso de misógina, la histórica compañía sorprende con una película que reivindica a la mujer fuerte, aguerrida y luchadora, frente a esa otra, falta de personalidad, sobre la que han versado muchas de sus producciones. Además, es llamativo cómo una empresa que durante décadas nos ha vendido cómo el amor puede surgir de inmediato entre dos personas que se acaban de conocer, nos regale una obra con una lectura notablemente más adulta del sentimiento amoroso: para estar realmente enamorado de alguien, en efecto, hay que conocerle a fondo. A pesar de que acumula todos los tópicos marca de la casa -su afición por las familias desestructuradas, el bordeo de la cursilería en algunos tramos-, alegra ver cómo Disney, de forma consciente o no, ha subsanado algunos déficits. 

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