Marcel Barrena, director de 100 metros: “Dani Rovira se ha dejado la vida en cada secuencia”

Es uno de los directores españoles clave de este 2016 a punto de acabar. Buena parte de culpa de ello la tiene su película “100 metros”, una de las cintas más aplaudidas del año. Basada en la historia real de Manuel Arroyo, paciente de esclerosis múltiple famoso por completar maratones y un triatlón después de que sus médicos no le dieran esperanzas ni de andar 200 metros, la película pretende ser un altavoz que sirva no sólo para dar a conocer una enfermedad poco conocida -a pesar de los 50.000 pacientes diagnosticados en España-, sino para pedir más amparo social e institucional hacia los que la sufren. Protagonizada por Dani Rovira, hacia quien el director solo tiene palabras de gratitud –“nunca tendré suficientes palabras de agradecimiento y admiración hacia él”, afirma-, Karra Elejalde y Alexandra Jiménez, sin duda este proyecto que ha costado 3 años levantar y sacar adelante ha sido decisivo para situar al director, guionista y montador español Marcel Barrena en primera línea de los directores más a tener en cuenta de este país. No os perdáis esta entrevista en la que pasamos a conocerle más a fondo.

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Barrena afirma que el humor era “una de las claves” a la hora de hacer llegar su película “100 metros” al público.

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Pedro Barbero: “Los cineastas también tenemos que emigrar”.

Pocos directores españoles pueden presumir de haber rodado una película que marcase tanto a toda una generación de espectadores amantes del cine de terror como fue “Tuno negro“, taquillera cinta que, a pesar de ser masacrada por la crítica, hizo las delicias del público. El responsable de este trabajo, Pedro Barbero, también guionista de cine y televisión, rememora en esta entrevista lo que supuso para él esta película en su carrera y nos habla además de su segundo y hasta ahora último trabajo: “El futuro ya no es lo que era”. Estrenado en el Festival de Málaga, charlamos con Barbero largo y tendido de este film protagonizado por Dani Rovira y Carmen Maura que, como en su día “Tuno negro“, se ha vuelto a enfrentar a la crítica de cine más despiadada. ¿Qué importancia le da a los críticos de cine?, ¿Qué diagnóstico hace del estado de salud actual del cine español?, ¿en qué está trabajando actualmente? De todo esto y mucho más charlamos con uno de los directores del año que nos adelanta, en exclusiva, que le encantaría volver a dirigir una película de terror y que está “trabajando en ello”. 

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El director hace un balance muy positivo de su última película, “El futuro ya no es lo que era”, protagonizada por Dani Rovira y Carmen Maura

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Joaquín Mazón: “Para la defensa de nuestra cultura y nuestro cine no somos tan patriotas”.

Tras una fructífera carrera como realizador televisivo -donde dirigió capítulos de las series Doctor Mateo, Con el culo al aire, Cuestión de sexo…-, Joaquín Mazón se estrenó en el largometraje con la comedia “Cuerpo de élite”, uno de los grandes taquillazos del cine español de este 2016 cinematográfico. Una película de reparto coral que, tras más de dos meses en cartelera, amasa alrededor de 7 millones de euros de recaudación, lo que se traduce en un éxito total -y la tercera película española más taquillera del año en España, tras “Un monstruo viene a verme” y “Palmeras en la nieve”-. Del estado de salud de la comedia en España, del proceso de rodaje de su opera prima o de lo que piensa sobre iniciativas para acercar el cine al público como la Fiesta del Cine, entre otros muchos temas, hablamos con un director que, tal y como nos cuenta en exclusiva en esta entrevista, se encuentra embarcado en un par de proyectos con la intención de empezar a rodar en 2017. 

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Mazón afirma que ha tenido “la gran suerte de contar con un reparto de primer nivel” para su primera película, y asegura estar trabajando en un par de proyectos para 2017.

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Alfredo Navarro: “El IVA al 21% es una vergüenza porque te cargas la cultura”.

Fui uno de los espectadores que la noche del 6 de octubre de 2016 tuvo el privilegio de disfrutar en la Filmoteca de Murcia de “Sueños de sal”, documental dirigido por Alfredo Navarro (Novelda, 1982) ganador del Goya 2015. Ese día se estrenaba en Murcia -tierra que el director conoce muy bien, pues ha vivido y trabajado aquí algún tiempo- esta película cargada de sensibilidad que logró tocarnos el corazón. Sin caer en el sentimentalismo barato y con grandes dosis de verdad y humanismo, Navarro sorprende con un trabajo que también irradia esperanza e ilusión a partes iguales. Humilde y cercano, hablamos con un cineasta que afirma que lo más complicado de un director es “encontrar su propio sello y que habría que apostar por métodos de proyección alternativos para el cine menos convencional “como museos, Filmotecas o aulas de cultura”. De esto y mucho más -el IVA Cultural, lo que sintió cuando ganó el Goya, el presupuesto oficial de su película, etc- hablamos con el artista alicantino Alfredo Navarro, un talento a seguir. 

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Alfredo Navarro mostrando orgulloso su primer Goya gracias al documental “Sueños de sal”, una historia de esperanza e ilusión en tiempos revueltos.

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Alberto Marini: “La crisis ha agudizado la creatividad”.

No podía imaginar Alberto Marini (Torino, 1972) cuando era niño y se deleitaba con las películas de Dario Argento que de mayor se convertiría en uno de los profesionales más destacados dentro del thriller y el cine de terror español. A pesar de nacer en Italia, donde ejerció de abogado, Marini ha desarrollado la mayor parte de su carrera en España, donde lleva viviendo casi 20 años. Aclamado por su original guión de Mientras duermes (Jaume Balagueró, 2011) o el de las más recientes Extinction (Miguel Ángel Vivas, 2015) o El Desconocido (Dani de la Torre, 2015), el también productor y montador debuta ahora como director de cine con Summer camp (2016), un trabajo rodado en inglés que el propio cineasta define como una “película honesta y hecha con cariño para entretener sin más pretensiones”. Una opera prima para la que ha contado con un padrino de lujo, su amigo Jaume Balagueró, para el que se deshace en halagos: “es un amigo sincero y desinteresado y alguien extremadamente meticuloso. Es un grande”. Tras ver como su primer largometraje triunfa por todo el mundo, Marini aspira seguir trabajando en películas globales, no limitadas por un territorio. “Aspiro a crear historias universales”, asegura con rotundidad. Y nosotros encantados de disfrutarlas. 

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Alberto Marini afirma que se siente “un privilegiado” por haber estrenado su opera prima, “Summer Camp”, en el prestigioso Festival de Sitges.

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Manuela B. Moreno: “Es muy gratificante poder contar en imágenes algo que previamente has imaginado”.

A pesar de llevar varios cortometrajes a sus espaldas, su nombre comenzó a sonar con fuerza a partir del multipremiado cortometraje “Pipas” (2013) , un auténtico fenómeno viral que le valió una nominación a los Goya y por el que pasó a engrosar la lista de cineastas a tener (muy) en cuenta. Estamos hablando de la directora murciana Manuela Burló Moreno, que tras debutar con la comedia “Cómo sobrevivir a una despedida” (2015) (“una película por encargo de la que hago un balance muy positivo”, asegura) sorprende ahora con su segundo largometraje: “Rumbos“, también producida por Atresmedia. Rodeada de un cast de auténtico lujo -Carmen Machi, Karra Elejalde, Nora Navas…- la directora se zambulle en este trabajo en el terreno de las historias cruzadas mezclando drama y comedia con pasmosa habilidad (“en Rumbos hay mucha comedia, pero también momentos en los que se te queda congelada la sonrisa”, nos avanza). Pasen y lean a una creadora que todavía tiene mucho que decir y que contar. 

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Manuela Moreno asegura que el proceso de grabación de su segundo largometraje, “Rumbos”, ha sido muy bonito y que la fase de montaje es una en la que más disfruta.

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Helena Taberna: “Las mujeres directoras nos hemos ganado un sitio de prestigio en el cine español”

Lleva más de 20 años dedicada al cine y sigue con la misma ilusión que el primer día. A sus espaldas acumula 3 largometrajes, 2 documentales y, sobre todo, la satisfacción de hacer siempre un cine comprometido y honesto. Estamos hablando de Helena Taberna, una de las cineastas más importantes de nuestro país que el pasado 3 de junio estrenó su nueva película: “Acantilado“, la cual participó en sección oficial en el pasado Festival de Málaga. Alérgica a las zonas de confort y siempre con un ojo puesto en la realidad, la directora navarra adapta la novela de Lucía Etxebarría “El contenido del silencio” para adentrarse en el apasionante y misterioso mundo de las sectas, con el nazismo como telón de fondo. Del magnífico reparto del film -en el que brillan Daniel Grao y Juana Acosta-, del proceso de adaptación del guión y de otros temas como la progresiva importancia que han ido teniendo las mujeres cineastas en el cine hablamos con esta directora todoterreno que asegura que “el cine es mi gran pasión”. No lo dudamos. 

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Marc Crehuet: “El humor es una gran herramienta para la reflexión”

¿Se puede hacer humor de casi todo?; ¿Por qué hay gente a la que le cuesta entender el humor negro?; ¿La comedia tiene que ser necesariamente una forma de evadirse de la realidad o, en ocasiones, puede ser todo lo contrario? A estas y otras preguntas nos responde el director y guionista Marc Crehuet que este mes estrena su primer largometraje, “El rey tuerto” (2016) , adaptación de su propia y prestigiosa obra de teatro homónima de 2013. Defensor a ultranza del humor, el director catalán nos deja en esta interesante charla algunas perlas que conviene remarcar, como que “un buen gag o chiste puede desmontar más rápidamente un discurso que cualquier sesuda argumentación” o que “el humor es muy útil para desmontar prejuicios e ideas preconcebidas”. También hablamos con él del (gran) componente de crítica social que encierra su obra, de las diferencias entre la versión teatral y cinematográfica y, como amante del cine que se sustenta principalmente en el texto, de lo mucho que echa de menos los diálogos en el cine contemporáneo. Pasen y lean a un autor que asegura que risas y reflexión pueden ir muy, muy de la mano. 

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Marc Crehuet asegura que el trabajo de los excelentes profesionales que han trabajado en “El Rey tuerto” ha sido maravilloso, y que el resultado final “ha superado de largo mis expectativas”.

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Juan Cavestany: “Las series de TV han sustituido al cine como forma cultural de referencia”

Sus colegas de profesión lo definen como un director libre y el público nunca sabe lo que se va a encontrar cada vez que va a ver una de sus películas. Estamos hablando de Juan Cavestany, un director inclasificable que acaba de estrenar la comedia experimental “Esa sensación“, un trabajo que dirige y escribe a seis manos junto a Julián Génisson y Pablo Hernando y que el propio Cavestany define como “una comedia para todos los públicos que tiene sexo, chistes y filosofía“. Cineasta que no se deja amedrentar por los parámetros fijados por la industria, conquistó a la crítica con uno de los trabajos más vanguardistas del cine español –Gente en sitios (2013)-, cinta que le supuso mucho a nivel profesional, pero aún más en lo personal, ya que según confiesa el director en esta entrevista fue esta película la que le ayudó a pensar “que había esperanza”. De su opinión sobre Maribel Verdú, actriz con la que ha trabajo en un par de películas, o de su pesimismo sobre el estado actual de la industria del cine, entre otros temas, nos habla un creador libre e indómito que todavía tiene mucho que contar. 
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Juan Cavestany en pleno rodaje de “Esa sensación”, una película sobre tres historias rodadas de forma independiente que al final tienen una coherencia.

Inés París: “El humor soez no me interesa ni como autora ni como espectadora”

Entre todos los méritos de la impecable trayectoria de la directora y guionista Inés París hay uno especialmente destacable: el haber escrito y dirigido una película que le gusta a todo el mundo. No son palabras gratuitas: La noche que mi madre mató a mi padre”, Premio del Público en el Festival de Málaga, es una de esas películas que confían ciegamente en el poder del boca-oreja como principal herramienta de promoción, ya que desde su primer minuto consigue lo que busca: que los espectadores se rían a carcajada limpia durante su hora y media. Lo más meritorio es que lo consigue recurriendo al humor inteligente, huyendo de lo zafio y chabacano –“trato a los espectadores como me gustan que me traten a mi cuando voy al cine: como una persona que se quiere divertir con algo original y no con bobadas”, confiesa la autora- y con una acción que transcurre prácticamente en un único escenario. Además de desgranarnos aspectos desconocidos de su último trabajo, en esta jugosa entrevista Inés París nos cuenta cómo es su relación actual con Daniela Féjerman -con quien dirigió sus dos primeros largometrajes-, si piensa que la comedia está infravalorada por la crítica o la importancia que le da a los títulos de sus películas. Pasen y descubran más a fondo a una de las figuras cinematográficas claves de este 2016. 

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Hugo Stuven: “Durante el proceso de rodaje de una película nunca hay que perder la ilusión”.

Está a punto de estrenar su primer largometraje como director pero Hugo Stuven no es un recién llegado al mundo audiovisual. Con varios cortometrajes y un documental a sus espaldas, este cineasta que también se dedica a la escritura -su primera novela “El faro de las lágrimas perdidas” fue finalista del Premio Minotauro en 2010- también ha trabajado como realizador en publicidad y en el equipo de dirección de películas como Crimen Ferpecto (Álex de la Iglesia, 2004) o Alatriste (Agustín Díaz Yanes, 2006), entre otras. En esta entrevista el madrileño nos habla en profundidad de Anomalous, su primera película como director que competirá en la sección oficial del prestigioso Festival Internacional de Cine Fantástico de Brasil. Definida por él mismo como un “thriller psicológico opresivo sobre la culpa y cómo el ser humano reacciona ante ella”, se trata de una ambiciosa opera prima de casi 4 millones de euros de presupuesto rodada en inglés y ambientada en Nueva York con un reparto en el que brillan Lluís Homar o Edgar Fox. Además de contarnos cómo ha sido trabajar con ellos y del duro proceso para sacar adelante esta película, Hugo nos adelanta en esta entrevista las claves de su segundo film. Pasen y descubran a uno de esos talentos que van a sonar con fuerza este 2016.

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Hugo afirma que lo más importante es mantener la ilusión durante el proceso de rodaje de una película, por muchos que sean los baches que se presenten

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Jorge Coira: “En el cine español hace falta una política fiscal que favorezca la inversión privada”.

La noche del 6 de febrero del 2016 el director, montador y guionista Jorge Coira (Rábade, 1971) vivió el que sin duda fue uno de los momentos cumbres de su trayectoria profesional: fue la noche en la que recogió el Goya al mejor montaje por El desconocido (2015), deslumbrante ópera prima de su amigo Dani de la Torre. Hasta entonces, el cineasta gallego atesoraba una amplia carrera en televisión, publicidad, teatro y también en cine, donde alumbró su mejor trabajo hasta la fecha: “18 comidas” (2010), una historia coral producida y protagonizada por su colega desde la infancia Luis Tosar con la que reír, llorar y apreciar las pequeñas cosas de la vida. De este trabajo tan significativo -y tan poco conocido, injustamente, por el gran público-, de lo que significó para él ganar un Goya y de los títulos del cine español que espera con más ganas hablamos con un realizador que, aunque en la sombra, se está construyendo una carrera de lo más interesante basada en la búsqueda constante de nuevas formas de rodar, narrar y contar. Si leen esta entrevista le conocerán un poquito mejor. 

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Jorge Coira con el Goya al Mejor Montaje por “El desconocido”. El cineasta asegura que el montaje es una de las fases en la que más disfruta y confiesa además que acompañar a Dani de la Torre en su primera película fue “un regalazo”.

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